浅谈音乐剧演员的舞台语言训练

　　音乐剧论文（精选10篇）之第三篇

　　摘要：音乐剧表演作为戏剧的一种,具有戏剧美学基础,从戏剧情境出发,通过情节和角色将歌唱和舞蹈、戏剧表演方式串联并有机整合,挖掘人物内心,抒发、深化甚至改变人物情感,达到推动故事情节发展的目的。优秀的音乐剧表演,为观众呈现的不仅是动人的歌舞,更有鲜明的戏剧情节、人物形象、情节进程和舞台张力。音乐剧演员的台词训练不能仅仅按照传统话剧演员的台词训练那样来进行,还必须依照音乐剧表演的特性加入针对性的训练。

　　关键词：音乐剧,戏剧表演,台词,台词训练,戏剧语言

　　音乐剧表演中的台词包括唱词，必须在对剧本的理解上，完成吐字归音、语气语调音质音色、表情达意的同时与音乐、节奏进行合作，完成音乐中的说话、带有行动的演唱。

　　戏剧表演和音乐剧表演在语言表达上的不同在于：话剧表演中人物的独白通常是人物的内心情感到达一定高度时，角色内心的外化，这些都是“说”出来的，而在音乐剧中有时候不像戏剧表演一样说出来，而是唱出来甚至是舞出来，这就是音乐剧的特别之处，当人物的感情到达一定的高度时，就不再说，而是唱出来。在戏剧表演中经常要去分析人物行动，挖掘潜台词，在音乐剧中这一部分的工作同样重要，由于音乐剧表演中台词比较精简、更加精确，所以在分析人物行动及潜台词时要更加准确。在戏剧表演中，演员可以根据自己的心理节奏来调整演出节奏，而在音乐剧中，音乐的节奏是基准，所有的语言都必须严格按照排练好的节奏来完成。但是，无论是戏剧台词还是音乐剧中的台词都要具备以下几个特点：行动性、性格化、感情充沛、生活凝练。

　　话剧演员以及音乐剧演员在舞台上经常会出现咬字不清、音包字、气息不够用、声音不干净等现象，这些都是舞台语言基本功中训练的重要方面，但是仅仅是训练还不够，演员还要从理论上明白造成这些现象的原因是什么，从而能从根本上杜绝这样的现象发生，因此学习发声的原理是非常必要的。

　　由于音乐剧表演的独特性，演员对台词的要求更高，音乐剧演员的台词训练不能仅仅按照传统话剧演员的台词训练那样来进行，还必须依照音乐剧表演的特性加入针对性的训练。

　　一、节奏的训练

　　音乐剧的表演是受到音乐和节奏的限制的，但音乐又不是一直存在的，它会在需要的时候出现、适当的时间消失，而这个过程中就会出现演员的表演需要从说转到唱或者从唱转到说。那么如何能够从说到唱，是演员在创作中需要着重关注的。首先演员要做到心理节奏和音乐节奏的统一，即不能仅仅单独按照心理节奏，也不能仅仅按照音乐节奏，必须将两者很好地统一起来。

　　首先在基础训练中，在气声字训练的基础上，在绕口令的训练中，加入不同的节奏或者加入不同类型的音乐来改变、制约台词的节奏，产生新的断句以及换气口。

　　（一）节奏变化练习

　　这个练习是指学生根据自己的理解，在绕口令中加入音乐和舞蹈的元素，可以是将几个不同的绕口令合并在一起，可以对绕口令进行某种程度的删减。这个过程中不能因为有了音乐、舞蹈等新的元素就忘记了台词训练的基本要求，但也不能只想着完成气、声、字而忽略了节奏的限制。有些同学在做练习时，绕口令和音乐的节奏并不是严丝合缝配合好的，而是每一次都即兴发挥，有时音乐结束了表演台词还没有结束，有时台词结束了音乐还没有完，这都是不可取的。在学生后续的排练中不仅要找到节奏、音乐与当前台词配合的有机性，还要通过反复练习，实现从一个机械的卡节奏的状态到完美的与节奏相融合的转改。节奏变化练习就是训练音乐剧演员如何将台词与音乐的节奏配合得完美。

　　（二）不同舞蹈类型中的节奏练习

　　在节奏变化的练习中会穿插舞蹈，而现在学生使用的舞蹈类型太过单一，基本都是用爵士来完成，因为爵士本身就属于节奏比较强的舞蹈类型。可以尝试用其他舞蹈类型来替代爵士，比如现代舞、芭蕾舞、古典舞、宫廷舞等。因为本身音乐剧的表演中就不是以一个固定的舞种为舞蹈基础，不同的舞蹈类别所带来的节奏感觉是不相同的，芭蕾舞相对柔美一些，现代舞更随性一些，宫廷舞约束性更强一些。舞蹈也是需要用呼吸的，不同的舞种所用的气息、呼吸的方式都不同，有的会限制我们舞台语言的完成，有的会帮助我们舞台语言的完成，而这就需要让学生在练习中多去尝试与不同类型的舞蹈相配合，找到不同的舞种可能产生的不同的节奏感、不同的气息方式，可以用绕口令，可以尝试用快口，将语言与舞蹈配合起来。

　　（三）不同音乐类型的节奏练习

　　音乐类型的不同决定着音乐节奏型的不同，不同的节奏型又决定着台词在与音乐配合时会产生不同的节奏。在练习中，应该多去尝试各种不同类型的音乐，不同拍子的音乐，比如3/4、6/8、2/4等不同的节奏型，甚至是切分节奏。在与不同的音乐相配合时，还要感受音乐的内容，不能只是简单的“配乐诗朗诵”之类的练习，要将台词与音乐融为一体。音乐与台词的配合在以往的台词创作中也都出现过，但很多时候只是辅助性的出现，比如在人物独白中加入音乐来帮助演员感受人物，或者在诗歌散文中加入音乐来营造氛围。这个练习中的音乐不能只是辅助，而是要与台词有着密切联系的，所以在音乐上的选择也是非常重要的。要让音乐成为语言的一部分，它不是辅助，而是音乐语言1+1>2。

　　二、气息的训练

　　由于音乐剧中经常有极大的运动量，因此大运动量下呼吸与发声也是音乐剧演员应该训练的。

　　（一）体能训练

　　由于音乐剧演员在舞台上需要极大的运动量，因此体能训练是必须的，只有将体能练起来才能保证我们在舞台上有足够的体力来完成表演。加大对演员腰腹肌肉的训练，从而加强演员腰腹的控制力。

　　1. 仰卧起坐。

　　仰卧起坐的训练是极为必要的，这是最直接训练腰腹力量的运动。在仰卧起坐的过程中，要控制节奏，不能极快起落，要尽量控制起落的时间，并在这个过程中学会调整自己的呼吸，不要憋气，要缓慢地吸气吐气。在慢起的过程中，腰腹肌肉始终是在运动中，这样对肌肉的训练力度会更加大，在慢起的过程中慢慢地吐气，不要把气憋在胸腔。

　　2. 平躺双腿交叉练习。

　　仰卧于地面，双腿抬起离地45度，双腿伸直，迅速横向交叉。训练时每20次到30次为1组。双腿不能着地，尽量控制自己的气息，平稳换气，训练自己的气息，控制自己的气息。

　　3.

　　扎马步进行台词训练，以增加学生腰腹的力量。

　　4. 平板支撑。

　　平板支撑是非常好的训练中段核心力量的练习，在平板支撑的前提上加入气息、基本功字音的训练，对演员在气息量以及腰腹力量的训练有很大的帮助。

　　这些增加肌肉的练习不能每次都花费时间在课上训练，这样台词课就变成了体能课，学生要自觉地在课下每天积极锻炼自己的肌肉。

　　（二）气息的训练

　　“歌唱时的气息和跳舞时的气息运用是有区别的。歌唱时的气息是要求演员将气息保持在丹田之处，气息的本源要集中在那里，唱高音时可以要求相对提升歌唱态势，但气息下部的支点和上下纵深的拉力是要保持住的。”

　　学过舞蹈的学生可能在台词的训练中能够清楚地感受到表演与舞蹈对气息的要求差别很大，而不同的舞种对气息的要求也不尽相同。比如芭蕾舞，基本上要求的气息都是提起来的，这样才能身轻如燕，完成脚尖上的动作，并且显得非常轻盈，但是古典舞和现代舞气息要配合着动作的节奏，有时候有的动作是气息带动的，还有爵士舞，气息都是配合着动作的节奏，但是相对气息的位置比较靠下，那么使舞蹈与台词气息同一，就是音乐剧演员训练中需要解决的问题。

　　边唱边跳是音乐剧表演中非常常见的，使舞蹈节奏与台词节奏相统一，使气息相统一是最重要的。由于舞蹈中需要的气息量非常大，所以快吸慢呼是一个非常好的方法，演员不仅要在台词中寻找气口，还要学会在舞蹈动作中寻找气口，并有意识地设计，使台词与舞蹈的气息相统一。由于音乐剧表演中经常会有在大运动后来说台词，而这时的台词体现要求演员能够很好地控制自己的气息。在教学过程中可以加入在运动中发声、大运动中骤停然后控制呼吸等训练。

　　1. 运动中的呼吸发声，在高抬腿的运动中完成短绕口令。

　　要求在高抬腿的过程中将气息控制在丹田部位不能因为动作的上下起伏而使气息上下乱窜。在高抬腿中进行绕口令训练，腰腹肌肉要收紧，控制自己的气息和声音，不要受到运动的影响，要使声音和气息平稳地流出。

　　2. 高强度运动停止后的发声练习。

　　快速的跑动或者舞蹈后突然停止，这时候正常的生理需要大口换气，吐出刚才运动中没有换干净的气。这个练习要求演员在快速跑动或者舞蹈中就要开始有意识地换气，在动作停止后，去掉多余的调整时间，直接进入台词状态（绕口令或快口练习）中。

　　3. 形体动作中的发声练习。

　　舞蹈动作会有高低的起伏，身体也会出现不同的姿态，在不同的姿态中我们的声音也会有所不同。在形体的高低起伏变化中进行台词训练，为的是让演员找到不同体态下个人统一的声音。例如，将形体与台词结合起来，在一段固定的舞蹈动作中进行台词训练，要求固定下来某一个动作说某一句话，不能每一次都随意地安排动作与台词配合的时间，找到动作中可以调整呼吸的地方，并且在动作中找到说台词时最好的气息位置。不同的舞蹈类别在动作起来时气息的位置也不尽相同，而在音乐剧中往往不会只出现一种舞蹈类型，这就要求演员在训练时还要根据不同的舞蹈类别做出气息的调整，比如芭蕾舞就要求演员的气息相对靠上，而现代舞则是需要用气息来带动舞蹈动作，爵士舞很多时候气息需要往下走……这样就决定了演员必须在训练时能够将不同的舞蹈类型与台词很好地配合起来。

　　三、唱词的行动性

　　音乐剧中的唱词同音乐中所有的台词一样，都具有行动性，这是区别于一般的演唱而与戏剧表演相通的地方。音乐剧剧本中还包含大量歌曲和舞蹈片段，如果在音乐剧剧本的分析过程中一律采用纯戏剧性表演的方式来进行，将所有唱词先用台词方式朗读，这种表演和排练模式在现阶段的教学中之所以非常必要，是因为这个过程有利于加强演员对音乐剧表演的戏剧性的认识，避免演员不明就里地泛歌舞主义表演。如果认为音乐剧中的舞蹈和演唱是与戏剧表演脱节的，那么演员就需要对歌词、台词仔细地进行分析，分析人物、分析语言、分析行动、组织行动，并体验人物此时此刻心灵深处的思想感情。

　　戏剧与音乐是一对亲密的姐妹，声乐与台词是异曲同工的好伙伴。学声乐的人，尤其是音乐剧演员，要了解戏剧，分析台词，掌握戏剧能力；学表演的学生、演员，要了解舞台演唱的发声原理，就必须懂得什么是歌唱。现在表演艺术院校都开设了声乐课，声乐教师主要从如何发声如何歌唱的角度充实了专业台词教学的技术含量，让学习表演的同学对声乐这门艺术有一定的了解，并且从发声上区别台词和歌唱。这是一门集教学、研究、实践为一体的专业基础学科。

　　在音乐剧创作中，要加强音乐剧演员的戏剧表现功力，应该像话剧表演排练一样，先坐下来分析台词和唱词。把唱词当作台词一样来进行分析理解，找到唱词中的行动性，分析唱词的潜台词，组织唱词中的行动。之后在排练过程中找一个阶段把唱段中的音乐拿掉，按照说台词的方式来排练，在这个过程中重点放在行动的执行是否有效、行动是否准确、行动的组织是否有机、人物关系是否明确、潜台词是否清晰、内心独白是否鲜活上。当这些工作都完成了，再重新将唱段的音乐加上，在与音乐的配合中再一次检验行动的执行是否有效、行动是否准确、人物关系是否明确、潜台词是否清晰、内心独白是否准确。这样做的目的是避免在演出中出现演唱会式的表演以及唱与说脱节的表演。要明确音乐剧依然是隶属于戏剧范畴的表演艺术。

　　要将音乐剧中的唱词当作戏剧表演中的台词一样来进行分析创作，尤其是宣叙调的唱词，要像说话一样将行动放入唱词和音乐中去，不要只是刻意地去找声音的音色和位置，某些时候要先将音乐抛开，用说的方式完成唱词中的行动，然后再逐步与音乐融合，不然很容易在宣叙调的处理时出现流行歌曲式的演唱，让观众欣赏演唱会式的表演。音乐剧中演唱的咏叹调相当于是话剧表演中人物的独白，同样先放下音乐，放下对音色及声音的处理，纯粹从戏剧表演角度出发，从规定情境出发，找到人物独白中的行动性，进行人物独白的创作。在与音乐配合时，还要感受作曲家赋予音乐的行动性，不能只是单纯地合音乐、合节奏，那样出来的效果就会成为配乐诗朗诵。所以音乐剧中唱词的创作过程既要进行戏剧表演的台词分析，也要兼顾音乐剧的语言，将它们很好地配合到一起，融为一体，是音乐剧演员创作中必须做到的。

　　结语

　　音乐剧表演是一门综合性的表演，是一种有机融合了歌唱、舞蹈和戏剧表演的性表演。“顾名思义，音乐剧表演应该具有的特征是戏剧性、整合性、风格化、差异化和三项全能特征。

　　音乐剧的本质依然是戏剧，音乐剧表演的基础是戏剧表演，而在这当中歌曲和舞蹈只是戏剧呈现的不同手段，并不能作为单独的艺术片段而存在。

　　真正重要的音乐剧歌舞表演，都必须建立在戏剧表演的需求上，标准的、完美的音乐剧歌曲格式通常如美国音乐剧人反复强调的：台词无法表达情感的时候，演员才开始唱歌，当歌唱也无法表达情感之后，演员开始跳舞。于是我们会看到典型的，戏剧性台词过渡到歌曲，再融入舞蹈，最后在载歌载舞中隆重收场的音乐剧表演形式2。

　　音乐剧表演要比戏剧表演在演员的技术上对创作者提出更多的要求，但是在实际呈现过程中，创作者往往会忽略戏剧表演在音乐剧表演中的重要位置。除了歌唱和舞蹈，音乐剧演员同样需要着重注意台词、语言的训练，只有将歌、舞、表演完美地融合在一起才能在音乐剧舞台上创造出鲜明的音乐剧舞台人物形象。

　　音乐剧表演的这些特性决定了音乐剧演员的训练要比戏剧表演演员的训练更加多样化、特殊化，只有真正认识到戏剧表演与音乐剧表演中相同的地方与不同的地方，将音乐剧表演放在戏剧表演的范畴内，找到共性与个性，并有的放矢地进行针对性的训练，在创作中找到特殊性、看到共性，最终培养出全面的音乐剧创作人才。

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