道具在美国动画片中发挥的作用

　　4.1.3 配音对美国迪斯尼动画角色表演的引导。

　　表演和语言之间并没有太多关联，但如果以迪斯尼制作的主流动画长片电影的角度来衡量时，可能情况就有所不同了。一部动画作品通常的情况下，配音会先被录制下来，然后再制作动画，这就是为什么工作中的动画师们总是戴着耳机。他们一边听着配音，一边制作动画以匹配配音。但是在现实生活中，运动总是先于语言的。语言和拥抱或者亲吻一样，是用来表达想法的，在表演中最重要的是角色的意图、目标、动机和情感。

　　换句话说，表演更多的是关于在语言之下所隐藏的东西。当一个想法出现时，语言并不是最先出现的，先于语言的，是头和眼睛的运动，肩膀和脖颈的运动。因此，当根据预先录制的对白创作动画时，动画师不得不以与实际的人们行为不同的逆向的方式工作，尝试找到预录语言要表达的内在的感情和想法。那迪斯尼动画表演中的嘴型和配音是如何搭配共同完成表演的呢？动画师谢默斯·卡尔霍恩描述说："……我在迪斯尼学习以后，才对对话动画有了深入的理解，原来身体动作是一定要有的。声音越响，身体的动作幅度越大。而嘴巴的尺寸对最终结果的影响并不大……前迪斯尼动画师艾·尤格斯特为《格列弗游记》画草图时，采用了迪斯尼的技术，即先忽略嘴型，直到身体动作完成以后再加入嘴巴的动作。制片人戴夫·弗莱舍在一次发言会议上对嘴部动作的精准性表示了赞赏。当他得知动画中并没有加入嘴巴时，露出了难以置信的神情，疑惑的他再次放映了那个场景，发展真的没有嘴巴。"因为分析演员的个性化动作相对来说简单，然后再将其嘴型融入到动画角色的表演中去，这种顺序可以避免不必要的麻烦并且能够及时作出调整。

　　如图 4-2、4-3 所示，《狮子王》中这只可爱的犀鸟沙祖，是由罗温·艾金森为它做的配音，即使当时观众并不了解艾金森的其他作品，但他对犀鸟沙祖的夸张表演着实给观众带来了不少的惊喜，他个性化的怪癖动作和大大的眼睛所带来的夸张表演也被融入到了犀鸟沙祖的外形设计上。不错，这正是迪斯尼动画关于配音的有一个特点：配音演员服务于角色，但角色或许也来源于配音演员。

　　有一种说法，找到一个好的配音演员，动画表演就成功了一半，当动画角色是配音演员的漫画版本时，这种效果尤为明显。在迪斯尼的动画电影中出现过成千上万个角色，有小孩有老人、有王子有公主、有动物有外星生物，这些角色有的是以童话故事中的角色为蓝本，有的则是以现实中的人物模拟，比如说阿拉丁就是从汤姆克鲁斯脱胎而来。

　　不过对于观众来说，让这些动画人物获得生命力的关键其实是不露脸的配音员，基本上配音员当然会尽可能挑和动画人物气质相符的如图 4-2、4-3 所示，我们不得不承认在迪斯尼动画中角色和他们的配音演员真的太像了。国外很多优秀动画角色都是这样创作出来的，并且一些动画角色的表演也融入了很多配音演员夸张的表情和动作以及怪癖、外形等。但这一方法的缺点是随着时间的推移和文化等的变迁，影片与夸张参考对象的关联可能不再那么紧密，就是我们常常说的"你不能太过依赖流行文化",除非该演员足够的优秀，并且这已是他成名的表演风格。

　　4.1.4 道具在美国动画片中发挥的作用。

　　道具无论是在剧情中还是在表演上都是十分重要的，角色的动作要和道具产生互动，才能够让观众知道角色的意图和动作的目的，从而让观众能够理解人物和故事。通常道具分为两种，一种是剧作层面的道具，这种道具往往是剧作上的一个关键的线索，这个线索支配着剧情的走向和戏剧动作，例如《卑鄙的我：迷你电影系列之香蕉》中的香蕉道具，有些长篇动画中，一个道具也可以使某个片段的表演格外出彩，例如《冰河世纪》

　　中的橡树果。有些时候，道具也是动画中重要动作的载体，例如《借东西的小人阿莉埃蒂》中的方糖。还有一种道具是动作设计范畴上的道具，通俗说来就是我们如何利用场景中的道具使我们的动作和表演更加精彩。前者的设计在于剧本创作层面，通常是我们的动画编剧已经设计好的道具内容，而后者是为了丰富这个大的戏剧动作所设计和利用的道具。皮克斯短片《魔术师与兔子》中，兔子作为魔术中的道具，在这部片子中则是一个角色，兔子的戏剧动作就是吃到胡萝卜，魔术师的动作就是将兔子从礼帽中变出来完成表演，当这两者的动作产生矛盾时，丰富的表演设计就出来了。

　　4.1.5 喜剧表演在美国动画中的"曲尽其妙".

　　在美国动画影片中，层出不穷的喜剧表演为影片魅力增色不少，使动画的娱乐功能得到了极致的发挥。美国商业动画擅长在深刻的主题之上打造一个轻松、幽默的氛围，使观众在捧腹大笑后体会故事的寓意和道理。迪斯尼动画喜剧表演强调身体语言，主要以各种匪夷所思的动作为主。而对白则无甚意义，多是斗嘴，骂战、吹牛皮、无伤大雅的笑话、说话荒腔走板等，动画角色凭肢体表演就已经非常逗笑，如一高一矮、一肥一瘦的对比等。表现手法大多比较直接，诉诸感官上的即时喜乐，而且在肢体语言上克服了一般低俗喜剧的弱项，故事情节连贯，重视因果关系，也有一定的思想内涵，对人情人性也有比较严肃的探讨。迪斯尼动画的主题都比较严肃，但在表达时基本采用的是喜剧的手法，"寓教于乐"是迪斯尼最大的特色。迪斯尼动画的喜剧表演源于生活，但是比生活更高一层，是远离现实生活的童话、传说、神话等，因此，迪斯尼动画表达了主流的观念，但没有更为深刻的反映和批判现实。下面将对喜剧元素在美国动画中的运用进行详细的分析。

　　从喜剧的表演方式来看。第一，表演节奏--节奏快、语速快。喜剧之所以能达到让人开怀大笑的程度与它表演的节奏是密不可分的。喜剧表演中角色说话又急又快，甚至达到口吃，画面也都是非常惊讶、非常夸张，往往会有以下几种表演：第一，反差大、弹性强。在喜剧中，演员的表演与演员的自身的形象反差很大，打破身份做自己不做的事。第二，让观众出乎意料：角色的反映往往与故事的发展截然相反。喜剧的反映是非常态的，情理之中、意料之外，永远打破了角色该有的身份和年龄层次，这才有了喜剧的效果。动画也是这样，如果动画脱离了这样的表演，也就会成为正剧，而正剧应该更贴近真人表演。第二，喜正结合。喜剧中穿插正剧，但正剧永远是辅助喜剧、服务与喜剧的，一般情况下，紧张气氛的节奏放得比较慢，轻快气氛的节奏放得比较快。 第三，重复性。在喜剧中，积累就是爆发，反复的将一个点进行修饰，它就是笑点。《十万个冷笑话中》不断重复周杰伦的"哎呦，不错哦",正是在反复修饰下带来的一个笑点。

　　从喜剧的演绎方式来看。第一，语言幽默，一个喜剧的主要元素来自于它的语言：语言的调侃，语言的节奏变化，以及语言对待事物态度的转变。这种语言元素带来的喜感最容易被人们认可。近年的动画作品中，喜剧形式越来越多的出现了一些运用语言调侃的形式，其实是更加注重了喜剧的塑造能力。例如整个喜剧元素来源于语言情绪的表达，行为其实是一个正常的行为，但配上这种语言之后，很多人都能接收这种传播形式。

　　那为什么这种传播的形式可以如此之广？原因是我们可以不去看画面、或者是旁听、或者不注意画面传播的形式是什么，但是通过声音，无论我们坐在哪个角落，都可以被它场景中所表述的故事所吸引，这就是语言幽默的强大之处。当然语言幽默表演形式也存在它的优势和不足。优势来说，观众理解起来比较容易，好接收，面向的群体不是一个小团体或专业体，而是面向广大观众。不足，它属于现代快餐文化的一个产物，它在 7分钟之内（7 分钟是人接收语言信息最感兴趣的一个时间间隔，从陌生到认识，再到熟知）用快速的语言方式传达了一个巨大的信息体，然后用这种轻松调侃的方式让大家能够看得懂，在整个演绎中的节奏是一致的，一直用语言，所以它不适合用长剧来表达，一旦时间长了，它的戏剧节奏以及表达形式呈现的层次就会非常浅，而且喜剧整体是缓慢的，出现了刻意的拖长。我们不难得出结论：喜剧如果全评语言的形式作为创作元素，它的整体压力是很大的，一旦重要语言形成了一定的模式被大家所熟知，第二年拿出来就已经行不通了。所以在动画中一定不要只是局限于用语言来表达幽默。再者，要掌握好语言幽默中的逻辑重复法，也就是用近似一样的语言加强语气，一直重复的方式来达到一定的喜剧效果。在这里语言幽默，流畅是基础：（流畅性可以迅速抓住观众的吸引力）所有的喜剧都是这样，它的语言、逻辑是流畅的，不允许演员在中间打断情绪，整个情绪一气贯通，贯通的时候观众是很容易接收的。如果中间稍微存在不流畅，对观众而言也就不存在吸引了，这就是节奏流畅为观众吸引力带来的基础。第二，肢体夸张。

　　冲突制造出来的反映是非常态的，是肢体语言的关键点，这类肢体的表演出来后，形象上呈现的是反差。一般必须具备一个正态和一个丑态，往往以丑态带动正态来进行戏剧的发展：丑态发动矛盾--正态解决矛盾的时候扔出新的矛盾，这样下来，丑态被自己设的圈套一点点套进去之后便会引发出来新的矛盾 ,这就是肢体语言在喜剧表演当中一个很重要的因素。但是也跟语言一样，还是流畅是基础，没有流畅绝对不可能保证它有一个喜剧该有的特点。真人喜剧也是如此，不过真人喜剧在肢体语言夸大的程度上远不及动画片，想象力也不如动画的丰富。但是真人的肢体语言如果表现的非常厉害的话，它会呈现出来另外的一种效果。所以说真人的肢体夸大是有限制的，所谓的夸大只是本能能动性的夸大。第三，模仿。模仿也会产生喜感，模仿的喜感就是：模仿得越像、越真，喜感就会越强。模仿者使用别人的口吻、气质，越投入、越不去迎合观众、不去逗笑，而是非常高雅的做自己的事，这个时候我们就会发现，模仿者越是这样喜感就会越强，能够充分的去利用反差，这就是模仿者的厉害所在。第四，丑化。喜剧之所以能存活，因为它有一个很大的作用--讽刺，而讽刺的表演方法就是丑化。在动画表演中加大喜剧中语言的流畅度、夸张演绎肢体非常态反映、加深模仿的真实及专业程度、扩展讽刺带动的丑化性，但不能忽视了这些方面的共同点--重复。一般来说至少要重复三次喜感才会强烈的迸发出来，在编排上往往都是不会打破这种经典模式。

　　4.2 本章小结。

　　本章以美国动画为例分析了角色表演特点及相关问题的表演方法，主要体现在几个方面：第一，前期角色的创作中，首先，迪斯尼动画在角色分析的工作量上是远远超乎其他动画大国的；再者，为载体赋予生命并融入成功的表演之后将角色演绎的淋漓尽致，有了被赋予生命的载体之后拟人的表演也可谓是无处不在了。第二，关于动作，首先，表演节奏灵活生动，美国迪斯尼动画的节奏不是永恒不变，而是随着环境、情绪、相关角色的节奏戏进行调整的，而且一拍一的节奏居多，在这种节奏下，改变了单一生硬的机械表演，鲜活了角色形象，更匹配了故事的情节；同时，对角色的快节奏出演有了一个良好的保障，使得动作流畅、真实、生动有力；其次，美国迪斯尼动画通过角色性格的外向化表演代替了赘余的语言；再者，很好的把控了重量、挤压、拖拽、平衡、衣饰等核心因素对表演中运动的影响；还有，通过角色眼神方向与人物关系的靠近度解决了身份的互动问题；最后，通过"没用的动作",融入了演员体验式的即兴表演，加强了表演的可信度与说服力。第三，配音与美国迪斯尼动画角色表演的相辅相成。第四，强化道具在角色表演中发挥的作用。第五，喜剧表演在美国动画中的"曲尽其妙".通过以上五点的分析与论述，来总结影响角色表演核心因素的方法，即表演中角色、动作、语言中存在问题的解决方法，希望通过本章的研究与总结指导我国动画在角色表演方面存在的问题。