浅谈学习音乐美学对声乐表演的影响

　　摘要：音乐是一门理论和实践相结合的综合艺术, 社会时代的变革和政治经济文化的繁荣发展, 人们对音乐美的欣赏和需求也在逐渐得到关注, 音乐美学已经是人们学习音乐必不可缺的一门学科。本文将以音乐美学和声乐表演之间的关系、学习音乐美学对声乐表演实践所起到的作用和实践意义来阐述音乐美学的重要所在, 同时也从音乐美学表演实践三大原则, 来陈述在实践中我们应该怎样做的问题, 通过以上几个部分来探讨学习音乐美学对声乐表演实践中积极地影响。

　　关键词：音乐美学,声乐表演,影响

　　一、音乐美学与声乐表演的关系

　　音乐美学即从音乐艺术总体的高度研究音乐的本质和内在规律的基础性学科, 这一门学科随着精神物质基础的发展而繁荣, 所涉及到的知识面较广, 是一门有着丰富音乐内涵的思想性学科。声乐表演是有别于器乐的音乐表演艺术形式, 通过歌声来完成的音乐表演, 是一门脑力、体力、想象力和表现力相结合的综合艺术形式。音乐美学与声乐表演的关系十分微妙, 也互相影响着。音乐美学是社会上的一个独立学科, 表演艺术是其中的一个分支, 因此, 我们需要展开对音乐美学的认识, 了解它整体的内在规律, 以便于我们在从事声乐表演的实践中奠定良好的基础, 从而掌握艺术的本质。

　　二、学习音乐美学对声乐表演所起到的作用

　　音乐不仅是听觉上的艺术, 它也是需要通过表演的形式来呈现的视觉艺术。我们对音乐美学的认知, 以及自我艺术修养的高低, 会直接影响到我们实际的音乐表演实践, 同时对音乐美学内涵修养的掌握也是学习和发挥表演才能的基石。

　　表演是体现一个人的音乐修养厚浅的虹观反映, 例如我们拿到一首作品, 首先是审阅乐谱, 对谱面的认识如拍号、节奏、旋律织体、表情术语等一系列基本知识的参阅和熟悉, 其次是对更深一点的研究, 比如横向和纵向的关系, 找主音、形容音、过渡音、和声走向、钢琴伴奏声部间的关系等等, 才能清楚的把握作品, 对歌曲的理解, 歌曲创作意境和歌词含义和自己心灵的思想情感表达和对音乐的审美等最终都体现在我们的音乐表演上。在音乐表演艺术中, 无论是器乐演奏, 还是声乐演唱, 我们对音乐的学习, 不单单是纯粹的奏对旋律, 唱对歌词而已, 而是将理论与实践相结合, 把音乐作品的内涵意境真正的表达出来。因此学习音乐美学是表演者良好表达音乐内在本质重要的一步。

　　音乐美学对声乐演唱有着向导作用, 我们在学习作品的时候, 首先会对作品背景和创作进行初步的了解, 使我们对歌曲整体的风格特点把握到位。同时, 声乐表演不仅是把演唱技巧展示出来就可以了, 更多的是情感的演绎, 譬如音色的处理是否符合歌曲角色的需要, 情绪起伏的变动是否符合作品的意境等等, 使声音赋予更多色彩, 是对音乐内涵充分展现。我们向观众传递的不仅是外在形象美、舞台美, 而要更多强调声音美和作品的情感表达, 通过和作品以及原创作者的思想层面的认识, 从而达到共鸣。音乐美学也是提高人们对艺术审美的关键, 因此, 学习和了解音乐美学是至关重要的。

　　三、音乐美学对声乐表演实践的实践意义

　　音乐美学对于专业的学习者而言, 无论是表演者还是音乐创作者, 音乐美学艺术都会无形的影响伴随着他们, 这对表演实践有着巨大的现实意义。在音乐美学原则上, 音乐表演有三个基本的关系, 即忠于原作与创造的关系、历史音乐风格与时代特征的关系、表演技巧和艺术表现的统一。

　　1、忠于原作与创造的关系。

　　忠于原作与创造的关系旨在尊重和解读原创作者的创作意图和内在涵义, 再对作品进行自我的情感解读。对声乐表演者而言, 表演者在面对作品时, 必须尊重作品的原创性与真实性, 切实的去感受作者的创作意图和音乐背后的故事, 往往是在真实的背景和环境下, 蕴藏着作者真实的思想情感。所以在音乐表演实践的学习中, 一定要以原创为中心的原则, 将作者的原意用音乐的表演展现出来, 体现出作者真实的思想情感表达, 充分将音乐的灵魂体现在表演中去, 凸显每个不同的音乐的个性美与灵魂美。

　　每个表演者对音乐作品理解都有所不一样, 无论是从歌曲背景, 原作者创作意境和自我感性体验都不相同, 所以表演者对音乐作品的二度创造性就显得格外重要。无论是民族声乐、通俗音乐亦或是戏曲, 表演者在作品准备中都要经历一个叫“二度创造”的过程。对于声乐表演者而言, 旋律上, 我们可以根据自己声腔的需要, 适当的在某些作品里加上装饰音, 例如滑音, 倚音等, 歌曲的演唱速度也可根据时下演唱者的情绪来调整。在不改变原创者初衷的范围之内, 使得作品更加符合表演者的个性, 诠释出音乐作品本身的意义, 共性与个性相互结合。

　　2、历史风格与时代特征的关系。

　　音乐表演的又一重要美学原则是历史风格与时代特征的关系, 即历史性与时代性的统一。我们在声乐演唱的学习过程中, 想要对声乐作品有准确地把握, 就必须去了解词曲作者的创作背景以及创作手法, 它是一种怎么样的艺术风格, 我们需要怎么样去表达才能贴合音乐, 它具有什么样的历史意义。特别是我们的中国古诗词歌曲, 也就是常说的古曲, 所谓古曲有许多释义, 即古代人所做词曲或古代人作词现代人编曲。在学习演唱古曲这一类型的作品, 我们当代人是没办法再睹往昔古人之风采, 但是我们可以通过中国传统文化中, 诗词吟唱的韵律, 戏曲的唱腔演绎, 民族乐器曲演奏的韵味等等方面, 去体会和揣摩古人的一些风格特点, 例如作品《鬲溪梅令》、《声声慢》我们在咬字和旋律韵味上就要做很多功夫, 需要让它符合古代人吟诵的韵律。除此之外, 一些中国地方民歌、国内外艺术歌曲、或者是国内外歌剧咏叹调选段等声乐作品, 无论是哪种语言, 亦或是那种风格的旋律, 我们都需要去了解它的历史背景和以往风格韵味, 为我们更好地把握作品奠定基础。

　　同时音乐作品的演绎也是复杂的, 具有复杂性。即便是演绎具有历史风格特点的作品, 我们也不能完全脱离当下所处的时代, 比如政治色彩和文化的变迁, 人们对于现代审美的改变, 表演者需要站在自己的时代立场上, 用当代的眼光来观察历史现象, 从当下时代的面貌和精神出发, 表达出符合大众审美的音乐, 即历史的音乐风格和时代特征相结合。对于音乐表演实践者而言, 表演者当下社会的时代精神和美学观念使他们对历史作品的理解和演绎有必然的影响。在新时代大环境下, 我们用一种新颖的、不同于过去的方式在诠释和演绎作品, 使这些带有现代精神的作品更加焕发出不一样的光彩。

　　3、表演技巧和艺术表现的统一。

　　声乐表演中演唱方法和技巧运用是基石也是非常重要的一部分, 没有扎实的演唱功底则谈不上对声乐作品的艺术处理和艺术表现力, 所以表演技巧是艺术体现的一个前提, 没有非常好的技巧作为支撑, 艺术表现便不会得到升华。但是, 表演也不是一味的去炫耀技术, 脱离了艺术表现的表演则显得机械和空洞, 需把技术与艺术表现二者有机结合, 更好地为音乐和听众服务。

　　表演技巧即我们常说的演唱方法, 对于声乐学习者和从事声乐表演工作者而言, 拥有良好的、正确的歌唱方法训练时尤为重要的, 光是在技术层面上这个训练就需要耗费我们几年甚至更长的时间。艺术表现则是在具备成熟的歌唱技巧之下而体现出来的, 声乐表演者必须将完美的技术运用到作品中, 有针对性对作品的艺术性进行处理和剖析, 才能在艺术表现力上得到升华, 使技术成为实现艺术表现的基石, 技术为艺术表现的目的服务并得到统一, 它便真正体现出自身的价值所在。

　　表演技术与艺术表现力的统一在音乐表演美学原则上是非常重要的, 它能最直观和集中的体现出音乐的内容, 不论处于何种时代背景下, 作曲家一部作品的喜怒哀乐和意境的体现, 都需要靠表演者成熟的技巧和高超艺术表现力通过表演凸显出来, 它能使表演达到真实性与创造性的统一以及历史性与时代性的统一, 从而是声乐表演艺术焕发光芒。

　　参考文献
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　　[3] 林丹.音乐表演的美学原则[J].中国科技教育理论版, 2012, (01) .