声乐教学论文（精选优秀范文6篇）

　　声乐教学是运用艺术化的语言与科学化的歌喉相结合，塑造出鲜明生动，悦耳动听的听觉形象-歌声，来表现语意高度凝炼的歌词（诗或词）以及典型化，情感化的旋律音调来学声乐，借以抒发思想感情并进行二度创作的一门音乐表演艺术。本篇文章就为大家介绍几篇声乐教学论文范文，供给大家欣赏。

声乐教学论文范文第一篇：即兴伴奏在声乐教学中的重要性

　　作者：肖智勇

　　作者单位：中共山西省委党校（山西行政学院）

　　摘要：对于声乐教学而言，即兴伴奏有着重要的作用，它不仅是声乐教学中重要的组成部分，也是学生声乐水平提高的一个重要途径。本文首先简要介绍即兴伴奏的概念及内涵，然后分析即兴伴奏在声乐教学当中的重要意义。

　　关键词：即兴伴奏； 声乐教学； 伴奏； 声乐； 教学；

　　作者简介： 肖智勇（1981-），男，汉族，山西太原人，本科，中共山西省委党校（山西行政学院），讲师，研究方向：声乐教育。；

　　要想更理想地进行声乐教学，就需要与即兴伴奏进行科学的配合，实践表明，通过即兴伴奏可以较好地提升学生的学习效果，即兴伴奏的优势已经逐渐显现出来。

　　一、即兴伴奏的概念及内涵

　　（一）即兴伴奏的概念

　　所谓即兴伴奏，指的是在并无准备的时候进行的临时演奏。通常，在进行音乐演奏的过程之中，可能会有一些临时的想法和情绪，而这个时候可能会演奏出一些优美的曲子，这属于即兴演奏的一种。同时，有些即兴表演是根据原有的曲调进行二次创作而形成。即兴伴奏随着发展也产生了一些变化，最开始需要表演者掌握五线谱等乐理知识，后来基本上淡化了这一理念，不再严格要求掌握这些专业知识。即兴伴奏也需要根据实际情况来进行调整，比如有些曲调过高，有些曲调则过低，根据实际情况来进行调整，才能更好地适应实际的演奏。

　　（二）即兴伴奏的内涵

　　即兴伴奏的内涵主要体现在三个方面：首先，创作性。即兴伴奏与正式演奏之间有着较大的不同，所谓的正式演奏通常是相对较为正式的方式，并且为每位演奏者都配有相应的五线谱，需要结合五线谱来进行伴奏，并无关于创作的要求。而对于即兴伴奏而言，则给予了更多创作的空间，基本上，可以根据旋律来进行演绎，也可以根据当时的情绪来进行演绎。因为即兴伴奏具有更大的发挥空间，所以，更有助于提升演奏水平。其次，实用性。即兴伴奏相对较为实用，也有较多的实际需求，能够较好地应用于实际的声乐教学之中。尤其对于钢琴演绎而言，涉及到较多即兴伴奏的成分，能够起到较好的活跃现场氛围的作用。第三，艺术性。即兴伴奏具有较强的艺术特点，音乐是一门艺术，即兴伴奏则提供了更多艺术创作的空间，使听众能通过即兴伴奏受到音乐正面的感染，并且优化个人的情操修养。通常，即兴伴奏可以分为带旋律和不带旋律的伴奏，带旋律的伴奏需要与旋律进行配合，而不带旋律的伴奏，则有更多的可发挥空间。

　　二、即兴伴奏在声乐教学中的重要意义

　　（一）即兴伴奏有助于培养学生声乐学习的乐趣

　　通过兴趣教学，才能取得较为理想的教学效果。对于声乐教学而言，涉及到较多的专业知识，也需要学生具有较强的领悟能力，来支撑专业知识的学习。针对当前声乐教学中普遍现状而言，学生会存在积极性不够高等相对消极学习状态。究其原因，在传统的声乐教学过程中，经常是教师通过清唱进行教学，而学生则需要学着教师来清唱，在清唱的过程中，音准、音高、节奏等方面都不够准确，正因如此，取得的效果也差强人意。学生的声乐学习心态较为被动，为取得更优秀的学习成绩制造了困难。针对这一现状，实际上，即兴伴奏在一定程度上缓解了这一痛点问题，在当前的声乐教学当中，通过即兴伴奏能够较好的使学生的演唱水平和教师的教授水平相互平衡，由此，能使学生的学习兴趣大幅度提升。实际上，即兴伴奏是较为灵活的，也没有过多限制，更适用于学生的声乐学习，而且，以钢琴即兴伴奏为例，并不要求伴奏者具备非常专业的钢琴水平，更多是对于即兴能力的考验，因此，学习的门槛不会过高，相对更容易培养学生的积极性。

　　（二）即兴伴奏有助于培养学生的思维水平

　　音乐虽然是感性的产物，但其中也有关于理性思维能力的考验，实际上，所有的声乐都需要阅历的积累，只有丰富的阅历，才能够更有助于音乐学习和情感表达，而乐理等内容则是对学生理性思维能力的一种考量。通过即兴伴奏，有助于提升学生的思维水平。音乐创作者在创作的过程当中蕴含了情感，而表演者需要能够正确地传递情感，首先，需要对背景创作有一定的了解，一方面需要切实地理解创作者想要表达的情感，另一方面则需要在理解的基础上，融入个人情感，然后作出综合的表达。而教师在声乐教学当中，可以通过即兴伴奏为学生创造更多的思考空间。例如，在学习音乐作品的时候，通常可以先演奏这一作品的旋律，让学生了解旋律，然后调动学生进行思索。在后期的教学当中，可以采用即兴伴奏的形式，配合学生的演唱，并且让学生通过即兴伴奏的过程引发更多的思考，如此一来，有助于学生更全面地表达情感，进而提升学生的思维能力和水平。

　　（三）即兴伴奏有助于培养学生的演唱能力

　　声乐教学更多是关于演唱的内容，而优秀演唱并不单纯依靠唱功等技巧而形成，其中也需要即兴伴奏发挥重要的作用。声乐不只是清唱，同时也要配合旋律和节奏，因此要有足够的旋律积累，即多听旋律，然后尝试配合歌词来演唱。优秀的作品实际上蕴含了丰富的情感，比如贝多芬交响曲之所以成功，也是因为其中饱含的情感；又比如我国著名的《义勇军进行曲》，每逢听到都可以联想到那些奋斗的岁月，自豪感油然而生，承载着重要的意义。实际上，这些都是音乐旋律的作用，在演唱中，也应该结合音乐旋律来更好地提升演唱的能力。声乐教师可以开展即兴伴奏，通过不同的伴奏，让学生体验不同的情感，然后通过伴奏的差异和所要表达的情感，教授学生在音乐演唱过程中更好地表达各式各样的情感，使整个歌曲的声乐演唱与歌曲整体的风格更趋近于完美。

　　（四）即兴伴奏有助于培养学生的演绎水平

　　即兴伴奏会涉及到钢琴等乐器的运用。声乐学习虽然更多是学习如何演唱，但是通过即兴伴奏，让学生对乐器有更多的了解，也会为学生的整体学习提供更多优势。同时，对于有些教师而言，可能在乐器演奏方面并不是特别高超，因此，通过即兴伴奏，也为教师提供了继续学习深造的机会。此外，对于伴奏而言，不仅需要演奏技巧，同时也需要合理运用其他技巧，因为不同风格的音乐伴奏，所适合的类型并不完全一致。无论是教师还是学生，都应该对音乐类型和场景加以正确运用，才能获得较好的效果。对于声乐演唱而言，一方面需要唱功，另一方面也需要正确把控情感，即使唱功特别好，如果其中的情感不够正确饱满，也会影响歌曲演唱的整体效果。因此，即兴伴奏在一定意义上，是有助于声乐教师和学生双向提高的一种方式。就教学方式而言，也可以更为灵活地进行切换，教师在进行即兴伴奏的时候，也可以邀请学生来参与到伴奏当中，或者让学生进行伴奏，而教师进行声乐演唱，在角色互换的过程当中，让学生获得更佳的体验和学习，进而转化为实际声乐水平的提升。

　　（五）即兴伴奏有助于培养学生的良好习惯

　　声乐教学不仅是教授学生如何进行声乐演绎，也是培养学生的声乐思维。在音乐学习的过程中，需要有正确而良好的学习习惯才能事半功倍。通常，正确而高效的课堂是培养学生正确学习习惯的重要途径。教师是学生言传身教的榜样，教师对自己应该有严格的要求，在声乐课堂中，教师如果素质足够高，声乐水平足够优秀，同时又能优秀地进行伴奏，则会使学生感到钦佩，进而增强学生的求知欲望。在课堂当中，教师应该注重学生学习习惯的培养，上文已经提及在声乐学习过程中，对学生的思维能力和情感把控较为重要，教师在课堂教学中，应该多提一些问题，让学生在进行弹奏的时候带入问题，以问题为导向来学习，解决学生的问题，并且为学生创造更多的思考空间。在实际教学中，教师也可以根据伴奏的不同类型，对学生进行分类教学，让学生寻找共同点或不同点。同时，应该鼓励学生勇于发表意见和看法，找出学生的改进点，让学生能够提高和进步。

　　（六）即兴伴奏有助于培养师生之间良好的关系

　　声乐教学、声乐演唱需要和团队之间进行配合，通过团队的共同努力，才能获得理想的表现效果。在声乐教学过程中，即兴伴奏有助于增强师生、学生之间的合作能力，进而增强师生、学生之间的师生、同学情谊。实践表明，更为和谐的师生关系，通常更有助于教师以更积极的心态开展教学、学生以更积极的心态投入学习。在课堂上，尽管教师是主导者，实际上也要充分考虑学生的意见和兴趣，在进行教学安排时，一方面考虑到课程的设置，另一方面则可以对学生进行提问，了解学生感兴趣的内容，然后开展针对性的教学，使得课堂内容丰富而有趣，不仅能够让学生学习专业知识，同时能够满足学生的兴趣，进行兴趣教学。无论是教师还是学生，都需要进步，教师也应该积极询问学生，获得教学反馈，对于需要提升的方面进行完善和改进，使得师生之间亦师亦友、共同进步。

　　三、结语

　　随着经济发展，人们对于音乐教育有更多的重视，关于教学模式也有了更为多元化的探索。对于声乐教学而言，不应该局限于单纯的声乐教学，而应该在其中插入即兴伴奏的成分，使学生不仅能够学习到声乐知识，同时也能够对伴奏、乐器等内容有更多了解，以此来提升学生的综合音乐水平，而实际上，这也是教师和学生共同进步的重要途径。

　　参考文献

　　[1] 郑斌。钢琴教学中即兴伴奏能力的培养[J].黑龙江科学，2017,（08）：23-25.

　　[2] 李安隆。浅谈钢琴即兴伴奏在声乐教学中的重要性[J].戏剧之家，2017,（21）：18-21.

　　[3] 张琳。浅析钢琴即兴伴奏在声乐教学中的重要性[J].黄河之声，2017,（08）：15-17.

　　[4] 周莉。声乐课堂中钢琴即兴伴奏的应用[J].教育现代化，2018,（10）：26-29.

声乐教学论文范文第二篇：声乐教学中学生存在的音准问题探析

　　作者：梁晓晨

　　作者单位：四川传媒学院

　　摘要：音准问题作为声乐专业学习者最尴尬和忌讳的问题，不仅在低年级学生中存在，在参加比赛和演出的高年级学生中也同样存在。本文以教学中遇到的音准问题为案例，进行了分析和说明，并对具体问题提出了相应的解决方法。

　　关键词：声乐教学； 音准； 解决方法；

　　声乐专业学生为了在舞台上完整地呈现作品，在平时的课堂中，要循序渐进地学习和解决很多问题。其中，音准是影响作品完整度最基础的问题之一。歌唱的音准问题，几乎是每位歌唱者都会遇到的问题，[1]无论是在低年级还是高年级的声乐练习及演唱中，都有可能由于不同原因导致音准问题。有时候即使在练习时可以把音唱准，也无法保证换个环境和时间同样能演唱得准确无误。音准成了部分专业学生在音乐作品表现上的一大障碍，由于学生演唱时导致音准问题因素存在个体差异性，所以无法进行集中式解决，需要老师听辨后先寻其源头，再有针对性地纠正学生。

　　一般来说，声乐练习及演唱中出现音准问题存在四种情况：一是生理因素，先天音不准或耳朵不灵敏，对乐音高度的分辨能力低，也就是常说的"五音不全";二是先修课程--视唱练耳学得不扎实；三是专业基础不稳定；四是心理素质训练不到位。后三种情况不是先天因素，可以通过训练得到改善，也是本文主要探讨的内容。

　　一、先修课程与音准问题

　　声乐演唱的先修课程是视唱练耳，对于音高的组织关系，即音程、和弦、调式、变音记号等基础知识的演唱有一定的训练。设立先修课程的目的，是为了培养学生耳朵的灵敏度和对音乐的记忆力。在艺考时，就在视唱练耳方面对学生进行了严格的考试。进入高校后，又有一年的针对性训练。专业学生都清楚，视唱练耳对音准的影响是巨大的，掌握绝对音高能力的学生，演唱中发生音不准的概率很低，即使因为其他因素导致音准偏差，他们敏感的耳朵也可以辨别自查。当然也有基础不扎实的同学，表现在对音高的固定感不强，演唱中出现音准问题也有可能听不出来，甚至出现整首作品都发生偏差并合不上伴奏的情况。

　　针对这一类问题，需要在钢琴上进行训练。首先，重复练习简单的练声曲，根据自己的演唱能力，在两个八度内对行进方向有计划和目标地自弹自唱，对练声曲的音程跳跃也要循序渐进，坚持长期训练可以提高音准；其次，对自己演唱的作品进行弹唱训练，在演唱过程中不仅可以解决音准问题，还可以根据自己的唱法针对性地提升对音高的运用；最后，和艺术指导的磨合，大部分院校都设有艺术指导课程，有部分学生不太重视，只有到期末考试了才找艺术指导合一两次伴奏，这是远远不够的。只有多和艺术指导磨合交流，才能达到对音乐表现手段的运用和对乐曲感情的处理，同时还可以达到对音准、音高的精确控制。

　　二、专业基础与音准问题

　　专业基础的不稳定是造成声乐演唱音准问题的本质原因，有音高概念的学生在演唱中也时常存在音准的问题，因此，老师的听辨及指导就显得尤为重要。专业基础不稳定导致的音准问题及解决方法大概分为以下几种：

　　（一）呼吸方法

　　歌唱的音高与气息作用于声带的力度之间有着必然的联系。[2]目前声乐演唱的呼吸采用的是胸腹式联合呼吸法，它吸气深且多，声音更灵活，再加上膈肌、腹肌等肌肉群的张缩配合，更能将歌唱中的高低强弱变化表达得淋漓尽致。要想熟练掌握这种呼吸法，必须经过长期坚持不懈的努力。在这个过程中，有部分低年级学生会存在因训练不当或训练时间不够引起的憋气、气息不足等问题，进而导致声音不稳，音准自然会产生变化，声音听起来也会干瘪、颤抖、不通畅，没有美感。

　　解决呼吸问题可以采用两项练习：一是吹纸，将一张纸置于面部稍近的距离，自然地吹动它。吸气时，口鼻稍张，状态兴奋，这时整个发声器官处于积极状态，口鼻同时进行，将气吸入胸腔和肺的底部，感受横膈膜受到挤压下降，下肋骨向两侧扩张，切记不能耸肩。呼气要均匀，气流要集中，膈肌、腹肌等肌肉群收缩且控制气息，不能一下子将气漏完，也不能窒息式憋气。一组快呼快吹的练习可以感受横膈肌的运作规律，锻炼横膈肌使呼吸更加深入和稳定。再来一组慢呼慢吹，吹到没有气为止，不仅可以使气息越练越持久，还能感受胸腹式联合呼吸法的运用。二是短句和长句的朗诵与呼吸的结合，这个训练方法不受时间和地点的约束，随时随地可以进行。感觉自己能运用自如了，就可以放在演唱中实践，呼吸稳定了，声音也就站稳了。

　　（二）发声位置与状态

　　无论男女声，发声位置不集中，声音很容易"散",音准也很容易晃动。针对此问题，一般采用共鸣与呼吸结合练习法来纠正解决。首先，坚持练习闭口哼鸣，哼鸣时舌面平放，舌尖轻抵下齿，不可在下巴、喉腔、口腔用力。软腭上抬，保持兴奋状态，咽腔成拱形，嘴唇轻轻闭合，鼻子试着先出点气，接着唱哼。声音是贴着后咽壁上来的，不在喉咙位置。也可吸气吸到软腭，声音再从软腭出来，用轻柔的力度让声音带着气息缓缓流出，均匀且集中。

　　其次，可以重复闭口音和开口音的交替练声曲，呼吸均匀、流畅，使所有的音都在一个位置发出，集中不晃动，每个音都要用气带出来、送出去，再引出另一个音，连绵不断，气要贯穿始终。开口和闭口音变换时，注意保持口腔不塌，牙关不可合拢，保持积极兴奋的发声状态，否则很容易在这个地方声音不稳产生音准晃动。长期练习这两组练习曲不仅可以获得精准的音高，还可以扩大音响效果，美化声音。

　　在声乐训练中还有一个技术方面的问题也会使声音听起来不统一，那就是换声区过渡不好。专业学生基本都会遇到换声区问题，想要掌握好声区统一，达到声音的流畅，那么换声区训练就必不可少。只有正确掌握换声区的唱法，才能解决好声区之间的统一问题。一般情况下，我们会避免低音用真声、高音突然转假声的唱法，不仅音色不统一影响情感表达，在换声区也会出现声音破裂、音准偏差的情况，真假声混合就比较好。练声曲从高音往下行音阶练习，联想打哈欠的感觉，咽喉腔上下贯通、联合共鸣，打开喉咙并稳定喉头位置，达到声区和声音的高度统一与集中，到低音时不要害怕声音弱，要先强调声音稳定，这样整个作品从音色上才会流畅连贯，音准也会非常稳当。

　　练习过程中，为了使声音集中，不少学生容易出现用力过度的现象。由于用力过度导致音调变高，尤其在上高音的时候，音准突然就偏高了，音色也变得干涩尖锐。这时应采用轻声哼唱法，在音准达到的基础上，轻声贯穿始终，整体行云流水，以毫不费力唱到最高音为佳。轻声练习可以让高音悦耳且音高稳定，也能掌握作品的力度变化，情感表达也更加细腻自然。

　　发声状态的稳定在声乐教学训练中是一个难点，平时练习都非常不错的学生，在偶有一次的练习中也会"状态不好"."状态不好"源于没有积极调整，达不到应有的发声状态，导致音高总会差那么一点儿。因此在练声时，多重复好的状态，让它稳定下来，演唱时集中注意力，摒除杂念，让自己投入进去，只有不断地训练，才能一张口就是对的。

　　（三）咬字吐字

　　中国的传统戏剧艺术是最早提出咬字吐字这一概念的，其后被传统声乐理论所借鉴。[3]在声乐演唱中，咬字吐字位置的不准确或者易变动，都会导致音高不准确。为控制好咬字吐字的位置，需要把发声状态与咬字吐字结合起来。首先，练习元音与发声状态结合的练声曲，把元音放在口腔前面部分，感觉从大牙缝里集中地均匀吐出，打开口腔，保持竖着的嘴型，抬起软腭，稳定喉头，形成通畅的管道，使声音有立体感和穿透力。反复练习后，加入元音辅音与发声状态的结合，有计划地循序渐进地练习。同时也可以朗诵诗歌，尽量大声、夸张地使用辅音、强调辅音，体会辅音的表达，这对于咬字吐字有很大的帮助。最后在歌曲中应用实践，从小段到整首，直到咬字吐字不影响发声位置，那么音高也就不会随意变动了。

　　三、心理素质与音准问题

　　歌唱心理在很大程度上贯穿了歌曲演唱的全过程。[4]在声乐课堂上，对于学生反复犯的错误，老师免不了要批评，部分学生就会陷入焦虑紧张的状态，于是可能会出现音准偏低或偏高的情况。在这种情况下，老师要引导学生放松心态、积极调整自己的状态，集中注意力，从而达到比较好的效果。

　　在演出或比赛时，由于胆怯和不自信心理、畏首畏尾想法多、演唱不专心等因素，导致演唱状态不佳，声音过紧，音准偏低。学生在上台前，应稳定自己的情绪，打开喉咙，调整发声状态，专注作品本身，通过多次上台的锻炼，就能发挥出应有的水平。

　　其实在声乐学习者中，相当一部分同学是"人来疯"型，他们在上台后会表现得比平时课堂兴奋，在高音时就容易飙出去，音准出现偏高的情况。对于此类学生，同样需要稳定情绪、整理思路，关注作品本身。上台前不要聊天，也不要看别人演唱，默默地把自己的歌曲在心里过几遍，尤其是开口的前几句特别重要，只有前几句唱顺了，后面才会越来越稳当。

　　综上所述，演唱时的音准问题是由于先修课程学习得不扎实、专业基础练习不够牢靠以及一些心理因素造成的，通过相应的方法以及刻苦练习是可以解决的。一首完整的作品只有做好万全的准备，才有可能非常熟练地呈现出来。台下的每一次学习、锻炼、实践，都会为上台表演打好坚实的基础，音准问题也就会迎刃而解。通过以上声乐教学中关于音准问题案例的总结，也可以看出声乐学习中存在个体差异性，针对不同的问题要采用不同的解决方法，才能达到良好的教学效果。

　　参考文献

　　[1]黑力。论歌唱的音准问题[J].当代音乐，2015,（17）：1-4.

　　[2]杨嵩。亦"准"亦"不准"--完美歌唱的音准"加减法"[J].当代音乐，2017,（21）：73-77.

　　[3]蔡林峰。咬字吐字对声乐表演的影响[J].当代音乐，2019,（11）：107-109.

　　[4]肖智丽。试论歌唱心理对声乐演唱的影响[J].当代音乐，2019,（07）：119-120.